文汇报记者 臧韵杰
本周二、三两天，越剧《我的大观园》剧终后，上海文化广场掌声阵阵，剧场灯光尽数亮起。台上陈丽君一身宝玉红袍尚未卸下，眼眶中泛起点点泪光。台下浪潮般的呼喊声穿透整座剧场，成片金黄色应援灯牌铺成星海，粉丝们高声齐喊专属口号：“星辰大海，与君同在！”原来，8月5日演出场次为第三十五届上海白玉兰戏剧表演艺术奖评委场，不少年轻的观众专程从各地奔赴上海“送考”，只为见证陈丽君参评“主角奖”的演出。
“宝玉被笞”滚落十八级阶梯时，瞬间引爆全场，收获满堂热烈掌声。演出结束之后，陈丽君在接受记者采访时却谦逊地说：“这个动作看上去难度很高。但相比于我们很多老前辈传下来的绝活不算什么！”不管是在哪里演出，陈丽君都会第一时间复盘自己今天哪里还不错，哪里还不够满意。然后和演员、乐队、灯光、音控等工作人员进行细节的沟通交流。“《我的大观园》已经演了将近七十场，每次演出，它仍然能够带给我新的、深刻的情感共鸣。”
虚实相生：舞台创新贵在贴合内容
作为浙江小百花越剧院（浙百团）建团四十周年献礼剧目，《我的大观园》从创作之初就确立了“差异化改编经典”的思路，团长蔡浙飞直言：“上海越剧院的《红楼梦》本身就很经典，我们这是一次全新转化。”早在去年首轮全国巡演，该剧就创下场场爆满、一票难求的火爆场景；一巡总票房突破7000万元，单场最高票房205万元，观演总人次超10万，是国内首部场均票房破百万的中国戏曲作品，陈丽君也凭借该剧荣获第18届文华奖“文华表演奖”。
越剧向来是敢于创新、勇于创新的剧种。因此，编剧罗怀臻在剧本阶段就跳出了传统红楼旁观式的“天眼”叙事，切换为贾宝玉主观感知的“人眼”视角，依托老年宝玉的回望串联过去、现在、未来三重时间线，重新拆解《红楼梦》经典段落。
舞台上反复出现的老年宝玉，制造出独特的间离效果，而戏里的“我”不只是宝玉一人，也是每一位红楼女儿，更是剧场里每一位看戏的观众，形成万千个体共悟红楼命运的主体性，这也是剧目定名《我的大观园》的关键。导演徐俊认为，这表达与中华文脉里天人合一、物我两忘的意境高度契合，“情即是我，我即是情，有‘情’故‘我’在”。
整部剧摒弃平铺直叙的线性叙事，依靠可移动的分层舞台完成时空切换，将人物内心的怅惘、追忆具象化呈现，表演、光影、舞台装置融为一体，所有视觉设计都服务于人物情绪与红楼内核。现代舞美能否适配戏曲程式表演空间？对此徐俊信心满满：所有舞台装置的核心准则是支撑、放大演员表演。三层基础平台搭配多组可自由组合的流动阶梯，阶梯的宽窄、高低落差全部依照戏曲步法标准设计；多层立体空间既完整保留圆场、身段等传统程式的表演区域，又依靠立体装置营造现代视觉美感，延伸演员肢体表达边界；宝玉滚阶、台阶对手戏等段落，依托高低落差放大情绪，实现移步换景的大写意美学。
顺着舞台美学的创作逻辑，主创团队在音乐层面同样坚持平衡之道。“唱腔、台词保留原本越剧尹派特色，同时邀请香港专门做影视配乐的团队负责配器，在传统越剧基础上增添全新听觉层次。”蔡浙飞介绍，这样的安排使传统戏迷能听懂原汁原味的越剧声腔，年轻观众则被饱满现代的听觉体验吸引。
背后是系统化青年戏曲人才培育体系
《我的大观园》能集结陈丽君等一批青年演员独挑大梁，呈现成熟完整的青春戏曲作品，其背后是长期搭建的系统化青年人才培育体系。
“团内年轻一代演员条件都非常好，我也一直在思考如何展现当下青年演员的风貌。”蔡浙飞告诉记者，剧团将核心大戏交付新生代主演，给年轻人充足的核心舞台，让演员在创排、巡演、打磨的完整流程中快速成长。“陈丽君领衔主演的新版《西厢记》已建组排练，争取尽快和观众见面。”
长期以来，“浙百团”形成闭环培养模式：夯实唱念做打基本功，同时鼓励青年演员接触影视、话剧、新媒体，拓宽情绪与肢体表达边界，既守住戏曲本体，又拓展演员综合能力。
观演后，上海市戏剧家协会副主席、淮剧名家梁伟平深受启发：“在浙江省内，想要参评梅花奖，先要拿到金桂奖才可能被推荐，激励机制贯穿创作、演出全流程。”与此同时，浙江城乡遍地常态化戏曲演出，戏曲生态包容度高，无论国有还是民营院团演员，都能拥有不断登台的机会。良性竞争环境之下，青年演员拥有清晰成长路径，行业内不断涌现出能扛大戏、扛传播热度的人。梁伟平提出，各地各院团无需照搬单一培养模板，但可以吸收其中核心思路：一是搭建常态化演出平台，让青年演员拥有更多登台实战机会；二是完善配套激励机制，从政策、演出补贴等层面给予青年演员成长保障；三是坚持“守正创新”的育人核心，基本功与新媒体传播思维同步培养。
两地戏曲从业者默契十足地认为，无论培养模式如何创新，戏曲本体永远是根基。梁伟平曾在金桂奖颁奖现场亲眼见证陈丽君、李云霄的专业功底：“她们现场表演传统折子戏，基本功非常扎实。”陈丽君曾参演影视项目，却始终明确自身定位，一句“我是越剧演员”，让他感慨这份清醒在青年演员中的可贵。
流量热潮下，戏曲立身之本不会变
“宝玉”赶考——《我的大观园》来沪演出引发的热议，也是戏曲创新必须回答的时代之问。这部青春越剧更像是一次面向市场、面向青年观众的实验，也激发着业界的深层思考。
从市场价值来看，全剧六十余场巡演场均青年观众占比高达八成。“很多人是因为陈丽君走进剧场，但真正留住他们的，是藏在剧目里中国传统文化的魅力。”蔡浙飞将剧目定位为文化引子：不少年轻观众看完剧目，第一次清晰分辨“金陵十二钗”的人物脉络，看完戏会主动翻阅《红楼梦》原著，从而对传统文化感兴趣。
上海大学海派文化研究中心主任陈东观察到，演出现场观众此起彼伏的呼喊宛若演唱会，她不由得在朋友圈发出感慨：青年观众追星与追剧并存，或许因为一个人爱上了一个剧种？如果传统戏曲均如此这般进化，振兴戏剧的守正创新行动计划能加快步伐吧。
不可否认，谢幕时的满场灯牌耀眼，也让部分业内人士对流量裹挟下的戏曲创作生态有些担忧。“部分观众的兴趣和热情可能不完全在‘戏’上。”在他们看来，这类依靠演员个人热度引爆市场的戏“对其他正常发展的文化事物可能会造成一些挤压”。也有人进一步提出，“为流量演员量身定制”的创作倾向，不能替代以戏曲文本、剧种传承为核心。
毫无疑问，“流量”是一把双刃剑。站在流量风暴中心的陈丽君坦言：流量和实力派并不是反义词。对于演员来说，它们并不冲突。“其实对相对冷门和小众的艺术门类来说，流量是很可贵的资源。如果没有流量，有实力也很难被看到。如果没有实力，流量也会速朽。”所以，她表示会更加夯实自己的实力，争取用更好的作品，吸引更多的观众走进剧场。因为，“真正留人的是一部部作品本身”。
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